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jueves, 31 de enero de 2013

Artistas: Malcolm Liepke

Malcolm T. Liepke (1953) es un pintor americano, nacido en Minneapolis (Minnesota). Comenzó a estudiar Bellas Artes en el Art Center College de Pasadena (Los Ángeles), sin embargo, lo dejó pronto, ya que estos momentos las tendencias dominantes eran el arte conceptual y abstracto, y Liepke buscaba una formación tradicional en pintura.

Lady in black (2012). Fuente.

Después de mudarse a Nueva York, comenzó una formación autodidacta: iba a los museos y se inspiraba en  las obras de pintores como John Singer Sargent, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Joaquín Sorolla, James McNeill Whistler, Éduard Vuillard... Aunque la mayoría de estos artistas están en una línea más o menos impresionista, también se interesó por grandes maestros. Llegó incluso a viajar a Madrid en los años setenta para admirar las obras de Velázquez.

El éxito le llegó pronto, a finales de los años setenta, y aunque no es un artista muy conocido en España, su obra es muy conocida en EE.UU., ha sido expuesto en importantes instituciones y su obra se encuentra en grandes colecciones. Lo cierto es que Liepke tuvo suerte, ya que en los años ochenta fue el momento de resurgimiento del arte figurativo, lo que sin duda le ayudó a lograr la fama y el reconocimiento.

En cuanto a su estilo, su técnica está muy inspirada en los grandes maestros: toma las composiciones de Singer Sargent, de Whitsler y de Degas, las texturas de Vuillard... Y se va a caracterizar también por el uso de colores brillantes, una pincelada rápida, las superficies vibrantes...


Modelos con biombo japonés (1986) y Los primeros en llegar (1993). Fuente.

El tema por excelencia de toda su producción va a ser la mujer, desde la niña a la madre, pero las grandes protagonistas van a ser las mujeres jóvenes, bellas, esbeltas y de labios carnosos. Las mujeres de Liepke son siempre sensuales y extremadamente femeninas.

Las protagonistas de las obras de Liepke buscan a menudo la mirada del espectador, lo que contrasta con el ambiente íntimo en el que se encuentran, haciendo que el espectador se sienta casi como un voyeur.

On her pillows. Fuente.

Las obras de Liepke son silenciosas, como si toda la atención se centrase en la figura protagonista, dejando mudas a las modelos que chismorrean o incluso a un café entero. Sus mujeres son siempre solitarias, sensuales, fuertes, pero sobretodo, misteriosas.

Malcolm Liepke es uno de los pintores que se ha mantenido fiel a la figuración, bebiendo de influencias clásicas. Aunque él dice pintar a personas del siglo XXI en ambientes contemporáneos, la mayoría de sus obras prescinden de todo lo superfluo, dándoles un carácter atemporal y universal.

Según la wikipedia fue compañero de habitación y amigo de Milt Kobayashi, un pintor figurativo, y aunque no he encontrado nada que confirme este dato, me ha parecido curioso que sus estilos se parecen mucho: Ver.

Bibliografía

viernes, 25 de enero de 2013

Arte y un café

Dentro de lo que podríamos llamar la "semana del arte" de Madrid, tendrá lugar Arte y un café, los días 13, 14 y 15 de febrero en el espacio La trasera, de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense (Podéis consultar más información clicando aquí).

La iniciativa trata de crear un foro de debate entre distintas personas que dan su opinión en internet sobre el arte contemporáneo, su difusión, los museos, etc . Además, también habrá conferencias y visitas guiadas. 

Me gusta Arte y un café porque trata de aprovechar la posibilidad de participación que ofrece internet. La iniciativa trata de ser abierta, dando la oportunidad a quien quiera de enviar una ponencia y también de intervenir en los debates (Aviso que para asistir hay que inscribirse!).

Podéis visitar la web arteyuncafe.veo-arte.com, muy recomendable, ya que están publicadas las ponencias.

Me ha gustado especialmente Un lenguaje para todos, publicada por Laura Cano @Via_di_Uscita, que trata sobre los problemas de comunicación de los museos ;)


miércoles, 23 de enero de 2013

Las próximas ferias...

El próximo mes se celebran en Madrid varias ferias, que van acompañadas de otros eventos como exposiciones, conferencias... que  se concentrará el fin de semana del 15 al 17 de febrero.

El principal acontecimiento es la celebración de ARCO, la feria de arte contemporáneo española por excelencia. Se celebra del 13 al 17 de febrero, en los pabellones 8 y 10 de la Feria de Madrid (más información aquí).

Tras unos años de capa caída, la feria tratará de remontar el vuelo, algo que parece difícil vista la situación económica. Como siempre, ARCO viene precedida de varias polémicas, como la subida del IVA cultural o la renuncia de algunas galería a acudir a la cita (Aunque en un primer momento dijeron que no habían llegado a un acuerdo económico, parece que han reconsiderado su postura).

Este año ARCO tiene como invitado a Turquía, país del que acudirán unas diez galerías seleccionadas. También tienen lugar SOLO PROJECTS FOCUS LATINOAMÉRICA (en el que participan galerías latinoamericanas seleccionadas por comisarios), OPENING: JÓVENES GALERÍAS (en el que galerías con menos de siete años son invitadas por comisarios) y encuentros profesionales, espacios culturales...

Además de ARCO, tienen lugar tres ferias satélites más, que tratarán de aprovechar el tirón de coleccionistas y expertos que se acercarán a la ciudad.

ART MADRID '13 celebra este año su octava edición. Se celebra del 13 al 17 de febrero en su nueva ubicación, el ático de la estación de Chamartín (Más info). Participarán 39 galerías y mantendrán el programa One Project, en el que participan jóvenes galerías y artistas, y se da una mayor importancia a los nuevos medios.

JUSTMAD celebra su cuarta edición del 14 al 17, en el Hotel Silken Puerta América (Más Info). Además del programa general, en el que participan sobretodo galerías de arte emergente, tiene un programa de galerías jóvenes, My First Just, y JustFramed, que da cabida a galerías, espacios o artistas que trabajen con obra gráfica.

La última de las ferias es la más joven, la primera edición de Jäälphoto. Se trata de una feria de fotografía, que apuesta por las galerías jóvenes y los precios bajos. Se celebra del 14 al 16 en el Hotel Chic&Basic Mayerling (Info). El equipo organizador es el mismo que el de Room Art Fair, y quizás por este motivo, las galerías expondrán en las habitaciones del hotel. 


miércoles, 16 de enero de 2013

Arte y moda

La relación entre arte y moda siempre ha sido muy intensa e incluso polémica. La pregunta de si la moda es arte ha llevado a muchas discusiones y a respuestas enfrentadas. Últimamente grandes museos han abierto sus puertas a diseñadores: algunas de ellas han sido las de Jean Paul Gaultier en la Fundación Mapfre y Cartier en el Thyssen. Contra estas prácticas se han alzado voces que acusan a los museos de aceptar la moda porque necesitan el dinero que mueven.

Yves Saint Laurent decía que la moda no es un arte, pero que para dedicarse a ella había que ser un artista. En los últimos tiempos el arte ha admitido muchas nuevas prácticas y medios, y negar que la moda sea un arte por su material o por su función es bastante absurdo. En mi opinión, diseñadores como Alexander McQueen tienen una obra a la altura de los mejores artistas contemporáneos.

Las relaciones entre arte y moda han existido desde hace tiempo: diseñadores que se han inspirado en obras de arte, artistas que han diseñado, etc. Lo más común es que un diseñador se inspire en una obra o en un artista. El ejemplo más famoso es el Vestido Mondrian de Yves Saint Laurent, pero hay muchos más: el mismo Yves Saint Laurent se inspiró en obras de Wesselman o George Braque, Dolce&Gabanna en Polock, etc. 


Uno de mis favoritos es La noche estrellada (1889) de Van Gogh, que inspiró un vestido de la SS12 de Rodarte. Y hay más...


Hay algunos artistas plásticos que eventualmente realizan diseños o colaboran de alguna forma con marcas. En los últimos tiempos ha sido sobretodo la marca Louis Vuitton la que ha contado con algunos artistas, las colaboraciones más famosas son las de Takashi Murakami y Yayoi Kusama, pero hay muchos otros artistas.

De las colaboraciones con Louis Vuitton destacaría la del artista Richard Prince en la colección SS08. El pintor diseñó los bolsos, pero Marc Jacobs, director creativo de la casa, se inspiró en la serie de Prince "Nurses" para crear los vestidos y la atmósfera del desfile.


Entre las colaboraciones entre artistas y diseñadores o marcas, hay una que me ha llamado especialmente la atención... la de Damien Hirst con la firma The Row. El pintor británico ha creado una colección de mochilas de cocodrilo para la marca de las hermanas Olsen. El antes enfant terrible del arte ha intervenido las mochilas con lunares y píldoras, y todas han sido firmadas. El precio es de unos 50.000$ y parte de los beneficios se destina a UNICEF.


La colaboración entre Damien Hirst y The Row fue encargada por Just One Eye, una página web que pretende realizar proyectos con artistas reconocidos y marcas de lujo.

Estas colaboraciones son a menudo controvertidas ya que el principal objetivo perseguido tanto por artistas como por marcas es la publicidad... Aunque siempre nos quedarán piezas raras y excepcionales. 

lunes, 31 de diciembre de 2012

"Gangnam Style", saltar en museos y otras cosas extrañas

Cuando vi el vídeo que Anish Kapoor hizo versionando el "Gangnam Style",un videoclip de un cantante coreano, todo me pareció bastante surrealista. En su momento, no entendí qué tipo de apoyo pretendía darle a Ai Weiwei, porque la verdad es que el vídeo no consiguió transmitirme el mensaje. Puede que sea culpa mía, porque los bailes de Kapoor y compañía aún me tienen bastante alucinada...



Después, me enteré de que Ai Weiwei había hecho su propia versión del vídeo como denuncia de la censura china (Más información aquí), y que el vídeo había sido censurado en China. Entonces entendí el vídeo de Anish Kapoor.

Ai Weiwei escogió el "Gangnam Style" porque sabía que se convertiría en un éxito viral. Aunque podría parecer contradictorio el hecho de escoger una canción divertida y superficial para transmitir un mensaje, sí que ha logrado llegar a mucha más gente que si hubiese escogido una canción desconocida para el gran público.

Esto me llevó a pensar en que muchas veces vemos actitudes y comportamientos, que igual que el "Gangnam Style" son  divertidos y superficiales, pero están en contextos que consideramos serios. La mayoría de las veces los valoramos como inapropiados, pero es posible que los estemos juzgando demasiado rápido.

Por ejemplo, todos nos hemos encontrado con gente sacándose fotos poniendo posturitas cerca de monumentos o en museos. Si habéis visitado la torre de Pisa habréis visto a una docena de personas inmortalizándose mientras la "sujetan". 

No lo he podido evitar... Fuente.

En muchos museos, la gente no puede evitar sacarse una foto imitando a los personajes de un cuadro o una escultura. Aunque hay miles de webs que reúnen imágenes de este tipo, a mí me gusta especialmente Possingatthelouvre.com. Resulta muy difícil juzgar si es algo irrespetuoso, superficial o simplemente una forma divertida de tener un recuerdo junto a una obra de arte. 

Esto es algo totalmente común, y salvo excepciones, no sorprende a nadie. Incluso debo confesar, que en algunos viajes académicos que realicé con mis (ex)compañeros de Historia del Arte, nos sacamos este tipo de fotos. Así que, desde mi experiencia, puedo decir que sacarse una foto graciosa es solo una forma de divertirse, que no interfiere con el amor por el arte. Incluso pueden acabar con un odio acérrimo y transformarse en cariño y admiración (Porque ay de aquella obra tan difícil de estudiar o aquel trabajo tan extenso que tuvimos que hacer...).



Sé que esto no siempre es así. He visto una exposición, Obras de Martin Creed en el MARCO de Vigo, llena de gente que solo entraba a sacarse fotos que subir a sus redes sociales. Está claro que el propósito de Martin Creed no era denunciar la censura china, sino buscar que la gente se divirtiese en su exposición. Pero muchas personas entraron sin conciencia de que estaban en un museo: Gritando, peleándose e incluso se dedicaron a destruir la obra (Que aunque suene muy duro es lo que ocurría cuando pinchaban los globos que la formaban).

Las actitudes de los visitantes a los museos son muy difíciles de juzgar. Tampoco es sencillo decidir si se deben prohibir, permitir o limitar. Sin embargo, es obvio que estas conductas son cada vez más frecuentes. Algunas de ellas son bastante incomprensibles como el hecho de inmortalizarse en un museo saltando. Y no creáis que es algo raro, tiene muchos seguidores, como podemos comprobar en  Jump in Art Museums. Pero, ¿qué decir? Saltar no parece ofensivo ni dañino, sino divertido.

En esta modalidad de inmortalizarse en museos, hay una web que me tiene bastante confusa. Es Babes at the Museum, y si he entendido bien, se dedica a subir fotos de chicas ¿guapas y estilosas? en museos. Esto, que parece la superficialidad llevada a la máxima potencia, puede ser una forma de atraer a gente a los museos, o por lo menos, generar un interés por ellos. O eso quiero pensar...

Por último desearos un feliz año nuevo :) Espero que visitéis muchos museos y exposiciones, y os divirtáis (Siempre que no hagáis daño a nada ni nadie, ¡que saltar puede ser peligroso!).

viernes, 28 de diciembre de 2012

Exposición "A balea negra" en el MARCO de Vigo

Esta semana, con motivo de mis vacaciones de Navidad, me he acercado a visitar la actual exposición del MARCO, el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo. Tristemente popular durante las últimas semanas debido a los recortes presupuestarios, que lo dejarán en un estado muy débil para afrontar el próximo año, y la creación de una plataforma ciudadana de apoyo al museo

Es una pena que el MARCO, que se ha convertido en un museo de referencia en solo diez años (los que lleva abiertos) se encuentre en una posición tan difícil, y que las únicas noticias relacionadas con él que podemos encontrar en la prensa hagan referencia a "luchas políticas", su mala situación económica o la desidia de la Xunta de Galicia.

La actual exposición "A balea negra" se ha programado en conmemoración del décimo aniversario del hundimiento del petrolero Prestige frente a la costa gallega. Este desastre, ocurrido el 13 de noviembre de 2002, coincidió con la inauguración del MARCO.

La exposición ocupa toda la planta baja, y es la única abierta junto a la del espacio anexo. Aunque el MARCO nació con la pretensión de realizar exposiciones colectivas, en los últimos años se habían programado grandes exposiciones individuales, como las de Santiago Sierra, Candida Höfer o Martin Creed. Sin embargo, nunca se había tenido cerrada la primera planta.

"A balea negra" está comisariada por Pedro de Llano, y a él hay que reconocerle el esfuerzo de realizar una exposición en la que pronto se advierte el bajo presupuesto. A las obras expuestas se suman todo tipo de documentos, pancartas e incluso arpones y huesos, que dejan la sensación de que se han colocado "para rellenar".


Movimiento en falso (equilibrio y sostenibilidad económica), Damián Ortega, 1999-2003

En la exposición no hay ninguna obra que destaque especialmente, a excepción quizás de Estanque (Marcela Armas, 2006), un tanque lleno de aceite que inunda con su olor todo el museo. 

Estanque, Marcela Armas, 2006.

Aunque se trata de una conmemoración a la tragedia del Prestige, las obras reunidas no llegan a concretar una visión de los acontecimientos. El conjunto de obras reunidas, algunas de las cuales hacen referencia a otros desastres, diluyen el significado de la exposición. El resultado es un archivo de obras, documentos y otros objetos, cuyo tema principal son los desastres ecológicos y el petróleo.

Conjunto de carteles relacionados con el desastre del Prestige

"A balea negra" está imbuida además de un espíritu sombrío, el mismo que recorre un MARCO sin vida.  La visita a la exposición es un recorrido triste, de recuerdo de viejas tragedias a las que hemos sumado las actuales. Hace diez años el MARCO nacía con gran ilusión, pero a partir de ahora, su futuro es incierto.

sábado, 22 de diciembre de 2012

Visita a CASA//ARTE

El martes estuve en la nueva feria CASA//ARTE, en Madrid. Se celebra entre el 18 y el 23 de diciembre en el COAM. Su objetivo es fomentar el coleccionismo de arte entre un público más amplio de lo habitual.

La feria es bastante pequeña, y los stands tienen precios muy económicos, que permiten a las galerías jóvenes participar. Entre los artistas expuestos hay tanto consolidados como emergentes, y podemos encontrar desde dibujo, pintura y fotografía, hasta vídeo e instalación.  

Para lograr el objetivo de incentivar el consumo, la feria se ha programado justo antes de navidades, un momento más consumista en el que no nos cuesta tanto darnos un capricho, o incluso animarnos a hacer un regalo diferente a alguien. Además, el ambiente es más agradable que en otras ferias muy grandes, el espacio es acogedor y los precios están a la vista, lo que evita que los posibles compradores se sientan incómodos. 

La organización fijaba que los precios debían mantenerse entre 50 y 1.800 euros, pero es posible encontrar piezas incluso más asequibles. Además, hay otros stands como librerías y tiendas con objetos y camisetas de artistas, que también mantienen unos precios muy económicos.

Aunque el ambiente era muy agradable y cercano, creo que el espacio del COAM se ha quedado pequeño para la feria. A veces los stands eran diminutos, e incluso las mesas y sillas que suelen colocar ocupaban todo el espacio. 

Yo he podido visitar la feria el día de la inauguración gracias a que la organización regalaba una entrada a todo aquel que usara la etiqueta #quieroiracasaarte en twitter. En general, me ha gustado mucho. Me parece muy valiente crear una feria que trate de crear nuevos coleccionistas y acercar el arte a un público más amplio, algo que normalmente se da por descartado y ni siquiera se intenta. Creo que hacen falta más iniciativas como esta: una pequeña feria con un ambiente agradable, una entrada asequible (¡incluso más barata para estudiantes!), que no asuste a la gente que quiera acercarse a este mundo, al que es complicado hacerlo si no conoces ciertas claves. 

Hay que destacar que CASA//ARTE ha organizado no solo visitas guiadas a su propia feria, sino también a las exposiciones Encuentro con los años 30 en el Reina Sofía; y Retratos. Obras maestras Centre Pompidou y Jean Paul Gaultier. Universo de la Moda. De la calle a las estrellas, en la Fundación Mapfre. También han organizado unas mesas redondas: Promoción e iniciación al coleccionismo de arte contemporáneo en España, a las que no he podido asistir porque a esas horas tengo clase, pero por las opiniones que he visto en twitter la impresión general ha sido buena.

Ya por último destacar que su presencia en internet y redes sociales ha sido de 10, ya en septiembre comenzaron las primeras noticias, fotografías... que han creado mucha expectación. Y tanto a través de facebook como de twitter nos han ido mostrando la preparación y desarrollo de la feria, regalado entradas, etc.

Lo único malo que podría decir es que las fechas justo antes de navidad me han ido fatal, y me hubiera gustado mucho volver otro día...

Visitad la página web de CASA//ARTE, que está muy bien: http://www.casaarte.es/laferia.html.

En su facebook podéis seguir la feria como si estuvierais allí: https://www.facebook.com/feriaartecasaarte.

Y mención especial sobre su catálogo ¡gratutito! que os podéis descargar en: http://www.casaarte.es/casaarte_version_digital_2012.pdf. Con muchísima información interesante (y no solo un conjunto de fotos resultonas como en otros catálogos...).

*En esta ocasión solo hay una fotografía (tomada del facebook de CASA//ARTE), debido a que no pude llevar la cámara.
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Esta es mi cuarta entrada :) Poco a poco me voy sintiendo más cómoda escribiendo en el blog, espero aprovechar estas vacaciones para postear mucho y ponerlo más resultón!